Первыми рисовать на стенах с помощью красок стали – (10 ) —

6. Реверс трёхмерных изображений

В то время как анаморфоз старается сделать двумерные объекты похожими на трёхмерные, реверс трёхмерных изображений пытается сделать так, чтобы трёхмерный объект стал похож на двумерный рисунок.

Наиболее заметным художником в этой области является Алекса Мид из Лос-Анджелеса. В своей работе Мид использует нетоксичную акриловую краску, с помощью которой она заставляет своих ассистентов стать похожими на неодушевлённые двумерные картины.

Эту технику Мид начала разрабатывать ещё в 2008-м году, а публике она была представлена в 2009-м году.

Работы Мид, это, как правило, человек, сидящий у стены, и окрашенный таким образом, чтобы у зрителя возникла иллюзия того, что перед ним — обычный холст с обычным портретом. Чтобы создать такое произведение, может потребоваться несколько часов.

Другой значимой фигурой в этой области является Синтия Грейг, художник и фотограф из Детройта. В отличие от Мид, Грейг использует в работе не людей, а обычные бытовые предметы. Она покрывает их углём и белой краской для того, чтобы они со стороны выглядели плоскими.

7. Тени в искусстве

Тени по своей природе мимолётны, так что трудно сказать, когда люди впервые начали использовать их для создания произведений искусства. Но современные «теневые художники» достигли невиданных высот в использовании теней. Художники используют тщательное позиционирование различных объектов для того, чтобы создавать красивые теневые образы людей, предметов или слов.

Наиболее заметные художники в этой области — Куми Ямашита и Фред Ердекенс.

Конечно, у теней несколько жутковатая репутация, и многие «теневые художники» используют в своих работах тематику ужасов, разрухи и городского упадка. Этим славятся Тим Нобл и Сью Вебстер. Самое известное их произведение называется «Грязный белый мусор», в котором мусорная куча бросает тень на двух людей, которые пьют и курят. В другой работе видна тень птицы, возможно, тень ворона, который клюёт пару отрубленных голов, насаженных на колья.

8. «Обратное граффити»

Как и рисование на грязных машинах, «обратное граффити» предполагает создание картины с помощью удаления лишней грязи, а не с помощью добавления краски. Художники часто используют мощные моечные установки, позволяющие удалить грязь со стен, и в процессе создать прекрасные образы. Началось всё это с художника Пола «Муза» Кертиса, который нарисовал свою первую картину на чёрной от никотина стене ресторана, в котором он мыл посуду.

Другой заметный художник — Бен Лонг из Великобритании, он практикует несколько упрощённую версию «обратного граффити», используя собственный палец для удаления грязи со стен, скопившейся там из-за выхлопов машин. Его рисунки держатся на удивление долго, до шести месяцев, при условии, что их не смоет дождь или не уничтожат вандалы.

Следует отметить, что «обратное граффити» — искусство достаточно спорное. У того же Кертиса, например, уже было несколько стычек с полицией, которые он сравнивает с «арестом человека, ковыряющегося палкой в песке».

9. Боди-арт иллюзии

Рисованием не теле в течение многих веков занимались буквально все. Даже древние египтяне и майя пробовали в этом свои силы. Однако боди-арт иллюзии поднимают эту древнюю практику на совершенно новый уровень. Как следует из названия, боди-арт иллюзия подразумевает использование человеческого тела в качестве холста, но на холсте этом создаётся нечто, способное обмануть наблюдателя. Иллюзии на теле могут варьироваться от людей, раскрашенных как животные или машины, до образов дыр или ран, зияющих в теле.

Наиболее ярким представителем этого вида искусства считается художник из Японии Хикару Чо который известен своими необычными, «мультяшными» иллюзиями.

10. Рисование светом

Как ни странно, самые первые практики световой живописи не воспринимали её как искусство. Фрэнк и Лилиан Гилбрет занимались проблемой повышения эффективности промышленных рабочих. В 1914-м году пара начала использовать свет и камеру для того, чтобы записать некоторые движения людей. Изучив полученные световые образы, они надеялись найти способы сделать работу персонала легче и проще.

А в искусстве этот метод начал использоваться в 1935-м году, когда художник-сюрреалист Ман Рэй использовал фотокамеру с отрытым затвором для того, чтобы снять самого себя, стоящего в потоках света. Очень долго никто не догадывался о том, что это за световые завитки изображены на фото. И только в 2009-м году стало ясно, что это не набор случайных световых завитков, а зеркальное отображение подписи художника.

www.factroom.ru

КАК РАЗРИСОВАТЬ СТЕНУ: ЛИЧНЫЙ ОПЫТ

Если у вас есть скетч и вы хотите перенести его из блокнота/айпада на стену, есть три основных способа переноса.

Способ первый: на глаз

Самый банальный, очевидный и не требующий дополнительных приблуд. Смотрите на картинку — пытаетесь повторить на стене. Это как раз тот способ, которым пользовалась я, потому что организовывать два других было некогда. Сработает, если вам не очень важно, чтобы картинка повторялась точь-в-точь, если вы умеете и готовы импровизировать и если вас не раздражает, когда картинка на скетче и на стене перестают сходиться 🙂 Я для себя решила, что проще рисовать сразу на стене без скетча, чем «подсматривать», потому что это больше раздражает, чем помогает.

Способ второй: квадраты

Этот способ позволяет перенести картинку довольно точно, но требует времени. Суть такая: расчерчиваете свой скетч на квадраты, потом чертите те же квадраты на стене и переносите картинку, используя эту сетку как опору. То есть схематично перенесли содержимое одного квадратика, потом второго, третьего и так далее. Это все равно не гарантирует идеальной точности и все равно нужно будет приспособиться, но по идее проще, чем без квадратиков. У меня не хватило терпения для нанесения квадратиков.

Способ третий: проектор

Самый удобный, но при этом самый дорогой способ, про который я, увы, тоже пока знаю только в теории, потому что выбранную модель проектора нужно было ждать три недели и я его пока не купила. Проекторы бывают двух типов: непосредственно для художников, для перевода картинок на стену, и обычные, с помощью которых можно еще и фильмы смотреть.

Самые известные проекторы для художников выпускает американская фирма Artograph. Большинство моделей устроены следующим образом: кладете лист со скетчем, ставите сверху проектор и он проецирует картинку на стену. На мой взгляд в этом подходе есть много минусов: скетч должен быть достаточно четким и определенного размера, чтобы, с одной стороны, влезать в пространство под проектор, с другой — показывать достаточное количество деталей. Ну и стоит он не очень дешево.

Проектор, который можно использовать и как домашний кинотеатр, на мой взгляд более разумное решение. Но тут надо понимать вот что: не всякий проектор, который может показывать фильмы, будет хорош для проецирования картинок на стену. Там миллион всяких мутных параметров, о которых очень хорошо рассказано в этой заметке, вот главные, за которыми нужно следить:

• проектор должен быть короткофокусным, то есть иметь параметр отношения расстояния к размеру изображения чем меньше, тем лучше. Условно 0.4:1 или 0.8:1 (значит, что на проецирование метра картинки нужно отставить проектор на 40 или 80 см от стены соответственно). Очень многие проекторы тут отваливаются, потому что если для показа киношки показатель 1.55:1 вполне ничего, то при попытке расписать стену 2х3 с помощью такого в небольшой квартире возникнут проблемы, потому что не хватит длины комнаты 🙂
• проектор должен быть контрастным и хорошо показывать даже в светлой комнате (потому что не всегда есть возможность занавесить все окна, а рисовать по ночам — сомнительное удовольствие), поэтому нужно следить за параметрами мощности лампы (от 200 вт), контрастности (от 10 000:1), и люменами (от 3000). 
• удобно, если есть возможность подключения флешки
• ну и самый хитрый параметр, который мало где есть, но очень полезен: вертикальная и горизонтальная корректировка изображения. Проектор с этими двумя параметрами можно поставить не ровно напротив, а немного левее-правее-выше-ниже и докрутить так, чтобы изображение не косило. 

К сожалению, я не могу порекомендовать вам конкретную модель, потому что сама запуталась в выборе и пока так ничего и не купила. Если найду время, доразберусь, куплю и протестирую — обязательно напишу дополнительно. Судя по яндекс.маркету моделей, совмещающих все вышеизложенные качества, дешевле 50 000 не найти, а скорее стоит рассчитывать на 80-90, так что удовольствие не из дешевых. Для разовой росписи я бы брать точно не стала.

www.successfulstocker.ru

Пещерная живопись

По мнению историков, живопись зародилась в каменном веке. Это было время, когда люди еще не умели пользоваться сталью. Их предметы обихода, орудия труда и оружие, были сделаны из камня, оттуда и название – каменный век. Первые рисунки также вырезали с помощью простых предметов – куска камня, или костяного орудия. Может быть, поэтому многие работы первобытных художников сохранились до нашего времени.  Линии представляют собой глубокие надрезы, по сути, своеобразную гравировку на камне.

Что рисовали пещерные люди? В основном их интересовало то, что окружало их и давало им жизнь. Поэтому их рисунки – это преимущественно очертания животных. При этом художники того времени могли довольно точно передать движение того или иного зверя. В связи с этим были даже случаи сомнения в подлинности таких рисунков. Специалисты просто не могли поверить, что пещерные люди могли быть настолько способными к искусству.

Удивительно, что и краски при рисовании начали использоваться именно первобытными людьми. Красители они добывали из земли и растений. Это были смеси на основе минералов и природных веществ. В них добавляли жир животных, воду и сок растений. Красители были такие стойкие, что изображения с использованием красного, желтого, белого и черного, сохраняли свою яркость тысячи лет.

Археологи находили и древние орудия живописи. Как уже говорилось, это были изделия для вырезания – костяные палочки с заостренным концом, или инструменты из камня. Художники использовали и своеобразные кисти, которые делали из волоса животных.    
 
Ученые не приходят к единому мнению по поводу того, зачем пещерным людям понадобилось рисовать. Многие считают,  что склонность человека к прекрасному зародилась одновременно с появлением самого человека. Потребность изображать окружающий мир, по их мнению, была исключительно эстетической. Другое мнение говорит о том, что рисунки были частью религиозных ритуалов того времени. Древние люди верили в магию и придавали рисункам значение оберегов и талисманов. Изображения притягивали удачу, и ограждали людей от злых духов.

Не важно, какое из этих мнений наиболее близко к истине. Важность имеет то, что первым периодом в развитии живописи историки считают каменный век.  Работы древних художников на стенах их пещер, стали прообразом великолепных творений последующих эпох. 

www.letopis.info

История красок от возникновения до наших дней, их появление и развитие

В общем, краски можно определить, как совокупность веществ, предназначенных для изменения цвета предмета. В жизни человека краски встречаются на каждом шагу, будь то свой дом или дачный посёлок. Даже не задумываясь о том, мы видим результат «деятельности» краски везде: от живописных картин, написанных великими художниками, до крашеных фасадов домов и заборов. Любой из нас, немного задумавшись, может назвать больше десяти наименований красок, использующихся в разных сферах жизни.

Возникновение красок

Роль краски сложно переоценить. Без ярких цветов мир и предметы были бы очень скучными и унылыми. Недаром человек старается подражать природе, создавая чистые и сочные оттенки. Краски известны человечеству с первобытных времён.

Первобытные времена

Яркие минералы притягивали взор наших далёких предков.

Именно тогда человек догадался растирать такие вещества в порошок и, добавляя некоторые элементы, получать первые в истории краски. Цветная глина также шла в ход. Чем больше развивались люди, тем больше становилась потребность запечатлеть и передать свои знания. Сначала для этого использовались стены пещер и скал, а также самые примитивные краски. Считается, что самым древним из обнаруженных наскальных рисунков уже более 17 тысяч лет! При этом живопись доисторических людей довольно хорошо сохранилась.

В основном первые краски изготавливались из железистого природного минералы охры. Название имеет греческие корни.

Для светлых оттенков использовали чистое вещество, для получения более тёмных добавляли в смесь чёрный древесный уголь. Все твёрдые вещества растирались вручную между двумя плоскими камнями. Далее непосредственно краску замешивали на животных жирах. Такие краски хорошо ложились на камень и долго не высыхали из-за особенности взаимодействия жира с воздухом. Получаемое покрытие, как уже было сказано ранее, было очень прочным и стойким к разрушительным воздействиям окружающей среды и времени.

Для наскальной росписи использовалась преимущественно жёлтая охра. Красноватые оттенки оставляли для ритуальных рисунков на телах умерших жителей племени.

Предположительно, именно эти обряды дали современное название минералу красный железняк – гематит, с греческого языка переводимого как «кровь». Красный цвет придаёт минералу безводная окись железа.

Появление красок

Древний Египет

Шло время, и человечество открывало для себя новые виды и способы производства красок. Примерно пять тысяч лет назад появилась киноварь – ртутный минерал, придающей краске алый цвет. Наибольшую популярность киноварь завоевала у древних ассирийцев, китайцев, египтян, а также в древней Руси.

Египтяне на заре расцвета своей цивилизации открыли секрет изготовления пурпурной (фиолетово-красной) краски. Из особого вида улиток выделяли секрецию, которую потом добавляли в стандартный состав красящих веществ.

Для создания белой краски с древнейших времён люди использовали известь, которая является конечным продуктом сжигания известняковых минералов, устриц, мела и мрамора. Такая краска была одной из самых дешёвых и простых в изготовлении. Кроме того, белая известь может поспорить с охрой в вопросе древности рецепта.

Египетские гробницы и пирамиды фараонов перенесли из времён расцвета египетской цивилизации удивительно красивый и чистый оттенок – ляпис-лазурь, натуральный ультрамарин. Даже спустя несколько тысяч лет рисунки не потеряли своей яркости и не потускнели. Основным красящим пигментом в такой краске является порошок минерала под названием лазурит. В Древнем Египте лазурит был очень дорог. Чаще всего бесценную краску применяли для изображения священного символа египтян – жука-скарабея.

Надо сказать, что с древнейших времён методы производства краски не претерпели значительных изменений. Твёрдые вещества также перетирают в порошок, правда, используя при этом специальные установки. Вместо натуральных жиров сейчас используют полимерные вещества. А вот для получения тёмных оттенков всё так же применяют сажу, но уже очищенную современными способами.

Древний Китай

Китайской цивилизации принадлежит пальма первенства в создании бумаги. Здесь же, за Великой Китайской стеной, появились лёгкие акварельные краски. В их состав, помимо красящих веществ и масел, входят мёд, глицерин и сахар. Для создания картин из акварельных красок нужна подходящая основа. Холсты, древесина, камни и другие традиционные предметы, на которые наносятся краски, не могут быть использованы для этой цели: акварель не ляжет на них хорошо. Поэтому при рисовании акварельными красками применяют только бумагу. Это объясняет факт появления таких красок именно в Китае, который является прародителем бумажного производства.

Средние века

Средневековье подарило миру масляные краски. Их преимуществом стали большая стойкость и надёжность, а также сравнительно малое время высыхания. Основой для таких красок служат натуральные растительные масла: ореховое, маковое, льняное и другие.

Во времена Средневековья люди научились накладывать масляные краски именно тонкими слоями. Получившаяся картина приобретала за счёт этого глубину и объем. Улучшалась и цветопередача.

Однако далеко не все мастера средневековой живописи создавали свои краски на основе растительных жиров. Кто-то замешивал красящие вещества на яичном белке, кто-то – на казеине, являющимся одной из производных молока.

Из-за уникальных особенностей производства разных красок не обошлось без исторических казусов. «Тайная вечеря», созданная знаменитым средневековым мастером Леонардо да Винчи, начала разрушаться ещё при жизни художника. Это произошло потому, что масляные краски на основе растительных жиров были смешаны с красками на основе разведённого в воде яичного белка. Химическая реакция, возникшая при этом, помешала надёжности покрытия и сохранности картины.

Натуральные компоненты вкупе с ручным производством делали краски довольно дорогим материалом. Особенно это касалось натуральной ляпис-лазури. Минерал лазурит, используемый при изготовлении ультрамариновой краски, импортировали в Европу из стран Ближнего Востока. Минерал был очень редким и, соответственно, дорогим. Художники применяли ляпис-лазурь только тогда, когда заказчик произведения заранее оплачивал краски.

Новые открытия

Ситуация начала меняться в начале 18 века. Немецкий химик по фамилии Дисбах занимался улучшение качества красной краски. Но однажды учёный получил вместо ожидаемого алого цвета краску оттенка, очень близкого к ультрамариновому. Это открытие можно считать революцией в производстве красок.

Новую краску назвали «берлинской лазурью». Её стоимость была в разы ниже, нежели у натуральной ультрамариновой краски. Неудивительно, что берлинская лазурь быстро завоевала популярность у художников того времени.

Век спустя во Франции появилась «кобальтовая синька» – краска, получившаяся ещё более чистой и яркой, чем берлинская лазурь. По внешним качествам кобальтовая синька оказалась ещё ближе к натуральной ляпис-лазури.

Вершиной деятельности учёных и исследователей в этой области стало изобретение абсолютного аналога натуральному ультрамарину. Новая краска, которую получили во Франции почти четверть века спустя после кобальтовой синьки, получила название «французский ультрамарин». Теперь чистые синие цвета стали доступны всем художникам.

Однако существовало одно немаловажное обстоятельство, которое значительно понижало популярность искусственных красок. Компоненты, используемые в их составе, нередко были вредны или даже смертельно опасны для здоровья человека.

Как было выяснено в 70-х годах 19-го века, особенно большую угрозу представляла изумрудно-зелёная краска. В её состав входили уксус, мышьяк и окись меди – действительно, страшная смесь. Существует легенда, что на самом деле бывший император Наполеон Бонапарт умер, отравившись парами мышьяка. Ведь стены в его доме, находящемся на острове Святой Елены, где Бонапарт пребывал в ссылке, были покрыты именно зелёной краской.

Массовое производство

Как уже известно, краски использовались ещё пещерными людьми при создании наскальных рисунков. Однако массовое производство красок было начато менее двух веков назад. Раньше все краски изготовляли вручную: растирали в порошок минералы, смешивали их со связующими веществами. Такие краски не хранились долго. Уже спустя сутки они становились непригодными для использования.

На заре развития лакокрасочной промышленности в продаже были и готовые к непосредственному использованию краски, и сырьё для их ручного изготовления, так как многие люди придерживались консервативных взглядов и делали краски «по-старинке». Но с развитием промышленности и новых технологий готовые краски постепенно вытеснили ручное производство.

С развитием лакокрасочной промышленности краски становились всё лучше и безопаснее для использования.

Многие вредные вещества – например, мышьяк и свинец, входившие в состав киновари и красного сурика соответственно – были заменены на менее опасные синтетические компоненты.

Неорганические вещества придают краске устойчивость к разрушению, а также помогают сохранить яркость цвета за счёт постоянного состава, что немаловажно при производстве краски в промышленных масштабах.

Однако в последнее время возвращается спрос на натуральные краски. Скорее всего, это связано с их экологичностью и безопасностью благодаря входящим в состав природным компонентам. Переход на экологически чистые технологии обусловлен общей экологической ситуацией на планете.

lkmprom.ru

6 техник рисования, которые не связаны с кистью

Дэвид Сикейрос, самый молодой из «большой тройки» мексиканских муларистов, был одним из первых художников, которые избегали кисти.
Он назвал ее, кисть, безотказно веками служившую живописцам, «орудием из волос и дерева». Сикейрос искал новые техники письма, отвечающие современной ему эпохе, и даже создал новаторскую экспериментальную мастерскую в Нью-Йорке в 1936 году.
Там собирались молодые художники, такие как Джексон Поллок, чтобы налить, разбрызгать, использовать аэрограф, в общем, создать новое, попробовать другие пути для искусства.
У них получилось.

Потом уже Хелен Франкенталер и Ив Клейн продолжали экспериментировать с нетрадиционными методами, расширяя лексику живописи, свободно включая капли, пятна, отпечатки тел и цифровой рисунок, и это лишь некоторые.
Вот шесть методов рисования без кисти. Это были инновационные инструменты и технологии.

Расплескивание и капание
Джексон Поллок

В феврале 1956 года журнал Experimental Workshop- Time  обозвал Поллока «Джек-капальщик» (Jack the Dripper).

Он самый знаменитый в своем стиле – разбрызгивания краски на холсте, но вряд ли первооткрыватель.

Японские художники-дзен-буддисты, например, экспериментировали с брызгами чернил еще в 15 веке, задолго до того, как Поллок создал свою первую живопись в середине 1940-х годов.

А точнее, случилось это в 1947году.  Поллок изобретает новую технику, он начинает работать на холстах огромного размера, расстилая их прямо на полу, и разбрызгивает краску с кистей, не прикасаясь ими к поверхности.

Технология брызг и капель Поллока с его взрывоопасными результатами захватила интерес американской общественности, особенно после того, как фотограф и режиссер Ганс Намут  опубликовал кадры с художником за работой в студии.

Комментарий Намута:

«…Влажный забрызганный холст застилал весь пол. Стояла полная тишина. Поллок посмотрел на работу. Затем неожиданно поднял банку и кисть и начал передвигаться вокруг холста. Как будто он вдруг понял, что работа не завершена. Его движения, медленные в начале, постепенно становились быстрее и все более похожими на танец, он швырял чёрную, белую и ржавую краски на холст. Он совершенно забыл о том, что Ли и я присутствуем при этом, казалось, что он не слышит щелчков затвора объектива. Я снимал все это время, пока он увлеченно работал, возможно прошло полчаса. Все это время Поллок не останавливался. Как только у него хватало сил? После он сказал: «Вот и все».

«…Моя живопись никак не связана с мольбертом. Я едва ли хоть раз натягивал холст на подрамник. Я предпочитаю прибить холст к стенке или полу. Я должен чувствовать сопротивление твердой поверхности. На полу легче всего. Я чувствую себя ближе к живописи, ее частью, я могу ходить вокруг нее, работать с четырёх сторон и буквально быть внутри нее. Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то ещё. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю.

Помещая полотна на пол, Поллок брал металлические стержни, кухонные инструменты, полотенца и палочки, хотя эти инструменты редко касались полотна напрямую. «Не имеет большого значения, как наносится краска», — пояснил художник. «Техника — это всего лишь способ рассказать что-то людям».

Роберт Раушенберг 1954-1955

Германн Нич 2013

Заливка

Хелен Франкенталер за работой над большим холстом, 1969. Фото Эрнста Хааса. 

В экспериментальной мастерской Сикейроса впервые увидел свет метод заливки краски непосредственно на холст. И завоевал себе сторонников.

Это техника «случайной живописи» — разлив разных цветов, наплывающих друг на друга, создающая неожиданные, вихревые узоры.

Франкенталер продвинула эту технику еще на шаг вперед в 1952 году с ее основной работой «Горы и море», для которой она наносила краски на непрозрачный холст.
Вместо того, чтобы опираться на холст, краска на этом изображении пропитывала холст — значительный подвиг в эпоху, когда авангардные художники были очарованы плоской живописью.

Совсем недавно британский художник Иэн Дэвенпорт  вылил полоски красок на холсты с помощью шприцев, позволив цветам смешаться и объединиться в нижней части его абстрактных картин.

Хелен Франкенталер 1962
Галерея Гагосян

Линда Бергли Угловая композиция 1969

Скребок, как кисть в руках у мастера

Из фильма Герхарда Рихтера Картина, фильм Коринны Белз.

Создать картину, поцарапав краску…. Да, и этот, теперь часто применимый метод родился не сегодня. Он больше всего связан с голландским абстрактным экспрессионистом Виллемом де Кунином, добившегося мощного визуального эффекта с помощью палитры и современного немецкого художника  Герхарда Рихтера, который часто использовал ракель. «С помощью кисти вы управляете, — объяснил Рихтер. «Краска идет по щетке, и вы делаете мазок … С ракелем вы теряете контроль».

Как и в картине Поллока, тайна техники Рихтера вдохновила режиссера Коринну Белз. Для своего документального фильма о Герхарде Рихтере  (2011) Белз провела три года в студии Рихтера, захватив художника. Рихтер тянет, мажет и царапает слои влажной краски, оставляя следы своих движений по поверхности.

Виллем да Кунинг Мэрилин Монро 1954

Печать тела

Ив Клейн, «Антропометрия искусства», «Галерея современного искусства», Париж, 9 марта 1960 года. Фотография Чарльза Уилпа.

Французский художник Ив Клейн создал свои картины «Антропометрия» перед аудиторией. Впервые в «Galerie Internationale d’Contemporain» в Париже в 1960 году выступления Кляйна (в настоящее время многие считают возмутительно сексистскими) показывают обнаженные женские модели, которые художник назвал «человеческими кистями», они прогуливались в с запатентованном Интернационале.

Затем женщины приступили к созданию отпечатков своих тел на гигантских бумажках, которые были расположены на стенах и на полу галереи. За ними Клейн усадил оркестр из 10 инструментов, играющего симфонию монотонной тишины с одной записью, написанную самим художником. Спектакль длился 20 минут, а затем 20 минут молчания.

Ив Клейн, «Антропометрия искусства», голубой период

Аэрография

Чак Клос (Chuck Close)

живопись Марк, 1978-79.

«Чтобы избежать живописного мазания и поверхности, я использую некоторые довольно хитрые средства, такие как лезвия бритвы, электрические дрели и аэрографы», — объяснил художник  Чак Клос  в 1970 году.
Первоначально использую инструмент для ретуширования фотографий, потом аэрографы — сжатый воздух для распыления краски на поверхность, создает плавные градации, которые напоминают фотографии.

Chuck Close, пожалуй, самый известный художник, использующий аэрограф, но сегодня многие художники также используют технологию аэрографа.

Джейсон Брукс. Кейт 2013

Цифровая живопись

Поллок, Франкенталер, Клейн и Клоуз, возможно, создали картины без кисти, но поп-художник Дэвид Хокни рисует картины даже без краски. Используя свой iPad, стилус и приложение Brushes, Хокни создает яркие пейзажи. «Люди из деревни поднимаются и дразнят меня: «Мы слышим, что вы начали рисовать по телефону », — писал Хокни в каталоге для музея Юнг.

Калифорнийский мультимедийный художник Петра Кортрайт также создает на компьютере картины с цифровым управлением. Она разбивает сотни найденных изображений с помощью Photoshop, часто проводя до 12 часов перед экраном.

Если Сикейрос искал современные техники живописи для индустриальной эпохи, то Хокни и Кортрайт обновили среду цифровой эпохи. Убирая холст, кисть и даже самую краску, художники продолжают изобретать новые методы, которые расширяют наши традиционные представления о том, что нужно предпринять, чтобы сделать картину.

tanjand.livejournal.com

Полезные рекомендации начинающим художникам

Полезные рекомендации начинающим художникам.

Наконец-то ваша мечта нарисовать роскошный пейзаж для гостиной или яркий натюрморт для кухни сбывается! У вас в руках первый набор для рисования и ваш будущий первый шедевр. С чего начать?

Рабочее место

Перед началом творческого процесса подготовьте рабочее место. Для качественной работы необходимо позаботиться о хорошем освещении. Рисовать можно на столе, но все-таки на мольберте делать это гораздо удобнее. Приготовьте емкость с чистой водой, в которой будете промывать кисти. Разложите в удобной для вас последовательности кисточки, контрольный лист, краски и салфетки для подсушивания кисточек. Главное, чтобы все было под рукой!

Подготовка красок

Краски из набора – перед вами! Наборы содержат уже смешанные краски всех нужных оттенков. Внимательно изучите инструкцию по их применению. Есть наборы, в которых краски находятся в пронумерованных баночках, а есть наборы с красками в тюбиках, пустые баночки и наклейки с номерами. В первом случае использовать краску можно сразу из баночки с нужным номером. А во втором – предварительно выберите тюбик с номером, такой же номер наклейте на баночку и выдавите в емкость немного краски из тюбика. Хотя процесс немного затягивается, но есть свои плюсы. Акриловые краски в тюбиках хранятся гораздо дольше.

Приступаем к творчеству!

На холсте – участки с номерами, которыми пронумерованы и баночки. Влажной кисточкой набираете краску, например, с цифрой 3, и закрашиваете ею все фрагменты с этим номером. Почему сразу все фрагменты? Открытые акриловые краски очень быстро высыхают. Поэтому нежелательно сразу раскрашивать участки разных цветов. Иногда это приходится делать при завершении работы, когда на холсте остается множество мелких непрокрашенных контуров.

Способы раскрашивания

1. Можно начинать раскрашивание с больших светлых фрагментов, расположенных сверху, постепенно спускаясь вниз. Такой подход удобен тем, что темными красками можно легче исправить огрехи, допущенные при окрашивании светлых участков. Если при нанесении светлой краски видны номера или границы контуров, достаточно нанести еще один слой краски. Некоторые умельцы перед нанесением краски используют корректирующий карандаш, у других есть свои секреты. Но достаточно 2-3 слоев краски – и проступающие контуры исчезнут.
2. Можно рисовать, сначала закрашивая задний план картины, и постепенно переходить к переднему. Например, нужно раскрасить ландшафт. Тогда вначале закрашиваете небо с облаками, потом – луг и деревья, и затем – листья и цветы.
3. Некоторые любители раскрасок сначала закрашивают фрагменты одного цвета, которых больше всего на холсте, переходя к меньшему количеству. Например, краской № 2 нужно раскрасить 20 контуров, а краской № 3 – 15 участков.
4. Другие поклонники живописи по номерам предпочитают раскрашивать последовательно, исходя из нумерации красок в наборе, начиная с №1.

Со временем вы выберете свой, удобный вам метод. Или придумаете свой!

Некоторые советы и хитрости при раскрашивании

• Держать кисточку нужно как ручку, а для устойчивости положить руку на поверхность. Картину можно поворачивать так, чтобы ее положение было удобно для рисования того или иного участка.
• При окрашивании лучше вначале обвести контур фрагмента тонкой кистью, а затем большие участки закрасить с помощью более широкой кисти.
• При смене краски или при закрашивании больших фрагментов одной краской нужно тщательно промывать кисточку, особенно обращая внимание на место крепления волокон.
• Если краска густая и плохо ложится на холст, можно время от времени добавлять в нее капельку воды и перемешивать краску до нужной консистенции. Если краска нормальной плотности, то вымытую кисть перед раскрашиванием подсушите салфеткой.
• Очень мелкие фрагменты можно закрашивать с помощью зубочистки. Достаточно окунуть кончик зубочистки в краску и закрасить необходимый участок на холсте.
• Если цифры плохо видны на мелких участках, то на помощь придет контрольный лист. Он поможет, если вы случайно ошиблись и закрасили участок не тем номером краски. Достаточно дождаться высыхания и покрыть фрагмент нужной краской. На этом же листе можно потренироваться в прорисовке контуров или испробовать художественные приемы, которыми можно пользоваться для создания своей будущей картины.

Художественные приемы при раскрашивании картин по номерам

Если раскрашивание по номерам станет вашим хобби, то можно попробовать разные художественные стили нанесения краски, которые придают картине различный цветовой эффект. Это может быть:

• цветовой переход – краска наносится небольшими мазками на контур между двумя пограничными цветами;
• эффект рельефности – густая краска толстым слоем наносится на те фрагменты, которые нужно выделить;
• пуантилизм – метод французского художника Сен-Жоржа, который рисовал картины точечными мазками;
• перистый переход – по границе двух цветов наносится краска быстрыми скользящими движениями;
• легкое покрытие, позволяющее добиться прозрачности цветов, с помощью разбавленной краски;
• декорирование – завершающий этап, когда тщательно прорисовываются отдельные элементы и картины приобретает завершенный вид.

Легкое покрытие – самый удобный прием для начинающих художников.

Последние штрихи

При желании через несколько дней после завершения работы картину можно покрыть лаком. Глянцевый лак сделает ваш шедевр ярче, а матовый — уберет блики. Лак распределяется на поверхности с помощью мягкой широкой кисточки. А через день после лакирования поместите картину в подходящую раму и повесьте на стену. Раскраски по номерам отлично смотрятся и без рамки. В этом случае просто закрасьте торцы картины оставшимися красками на ваш выбор.

Как сохранить краски?

Желательно рисовать картину без долгих перерывов. Краску, в уже открытой баночке, нужно использовать в течение трех месяцев. В дальнейшем — она может высохнуть. После работы баночки должны быть плотно закрыты. Предварительно необходимо удалить все следы краски с краев баночек и крышек, тщательно прочистив иглой или зубочисткой уплотнительные пазы. Если предполагается длительный перерыв в работе, то плотно закрытые баночки необходимо завернуть во влажную ткань и положить в полиэтиленовый пакет. Это может продлить срок годности красок, но не гарантирует сохранность их свойств.

Уход за кисточками

1. После рисования уберите с кисточки оставшуюся краску и промойте кисть в теплой воде.
2. Аккуратно помойте кисть щадящим мылом и снова прополощите.
3. С помощью салфетки вытрите кисточку вращающими движениями, придавая ей первоначальную форму, и оставьте сушиться.

Это важно!

• Не используйте рабочую кисть для размешивания красок – для этого можно пользоваться ненужной кистью, спичкой или зубочисткой.
• Не оставляйте кисточки в воде надолго – они быстро потеряют свое качество.
• Не чистите кисточку химическими препаратами и ногтями.

Но самый главный совет – не нужно бояться! Рисуйте картины с удовольствием – и все у вас получится! А глядя на ваше произведение, вряд ли кто догадается, что этот шедевр – раскраска по номерам.

www.3-kisti.ru